BOTANY BAY (1953)

La colonización de Australia por parte de los ingleses, vista desde la mirada ácida del olvidado John Farrow. Así podríamos definir bastante bien este tremendo viaje en barco de más de 200 días que emprende el malvado capitán James Mason con cientos de prisioneros que ya no tienen lugar en las superpobladas cárceles de Inglaterra. Entre estos presos hay uno que se destaca, además de su inocencia, por sus nobles valores, el mismo es Alan Ladd. Al ver estas imágenes, me viene a la mente de forma inmediata el film de Frankiln Shaffner "Papillón", con el que tiene muchos puntos en común, y que debe haberse inspirado en éste que comentamos ahora. Farrow, hace gala de su tono, siempre en la delgada línea que separa lo correcto de aquello que no lo es, se atreve a matar a un niño, a azotar a una anciana, y a afeitar el cabello de dos mujeres, y por si fuera poco, todo esto en campo. Sin embargo lo interesante de la historia pasa por el duelo entre Ladd y Mason, reto que Mason potencia con su estilo actoral que lo favorece cuando tiene que interpretar a un cínico cordial, mientras que Ladd hace lo que también mejor sabe, poner cara de piedra, inspirar confianza y hablar poco. Finalmente descubriremos que Australia por aquella época no era la isla de la fantasía y más que a un paraíso se asemejaba al terreno a conquistar con sus indios incluídos que como dijo alguna vez John Ford: "...eran un elemento más de la hostilidad del paisaje..."

"THE VIKINGS" (1958)

Ya habíamos mencionado en "20000 leguas de viaje submarino" que Richard Fleischer era un director más que interesante a la hora del trabajo de composición del encuadre en el formato scope y con la tecnología del technicolor, bueno en esta película lo confirma de forma contundente. "Vikings" es una épica de aquellas que se disfrutaban los sábados a la tarde con todos los condimentos que una buena película del género debe tener: reyes destronados, niños abandonados por predicciones oraculares, princesas raptadas y grandes batallas que guardan espacio para duelos personales. De todo este combo, que por cierto, esta muy bien trabajado, se destacan las mutilaciones. Aunque suene macabro o de un poco de impresión, los personajes de este film van a pagar sus actos con algo más que cicatrices, la marca va ser un poco más profunda. Ningún personaje principal saldrá ileso de esta aventura, Ernest Borgnaine sera despedazado por unos lobos hambrientos, Kirk Douglas quedará tuerto a manos de un halcón y finalmente Tony Curtis tendrá lo suyo con una mano. Otro elemento a destacar es la secuencia de títulos inicial que narra todo el film con una animación simple y hermosa. De esta experiencia cinematográfica hay que reparar el rol de Tony Curtis, que ocupaba el papel que hoy realiza Orlando Bloom en films como "Troya" o "Piratas del caribe", es el protagonista, pero el peso de Kirk Douglas se lo termina devorando, así como Jhonny Deep o Brad Pitt lo hacen en la actualidad.

TRAILERS DE TERROR

En el siguiente link se pueden disfrutar varios trailers de películas clásicas de terror. Algunas joyas de cuando el género producía obras maestras, y servía para acercarnos a muchos directores que encontraron su sello de autor en un marco de zombies y monstruos.

http://filmtagebuch.blogger.de/stories/298948/

THUNDER BAY (1953)

La dupla Anthony Mann - James Stewart no solo funcionó de manera aceitada en westerns sino también en alguna película como “Thunderbay”, en la que un independiente buscador de petróleo, hombre muy parecido al Bruce Willis de “Armageddon”, pone en riesgo el ecosistema de una tranquila bahía de pescadores. Stewart y su equipo contra el pueblo, un duelo más que interesante si se le suma la hija del patriarca de la bahía, que matinene una relación de amor-odio con Stewart. Este film, al igual que todos los de Mann están centrados, no tanto en la trama sino en el descubrimiento de las relaciones familiares y afectivas que se establecen entre los personajes. El tema de los hermanos que luchan al igual que “The Man from laramie” o “The man of the west” podría notarse como uno de los ejes temáticos centrales de la filmografía del hombre que filmó más westerns en la era sonora. La Universal presentó esta película como la primera dentro del estudio que respondía al formato wide screen y al sonido estereofónico direccional. Un film que posee de todo, sabotajes, huracanes, explosiones y muchas peleas a golpe de puño. John Michael Hayes, guionista de esta obra coincidiría al escribir dos trabajos extraordinarios para James Stewart como “La ventana indiscreta” y “El hombre que sabía demasiado”.

THE TINGLER (1959)

Si bien todas las películas concebidas en fílmico son para ver en el cine, hay algunas que por su despliegue visual o sonoro ganan en la sala una potencia que nunca se logra en la comodidad que nos ofrece el sofa de una casa. Sin embargo el caso de esta gema del terror, del igualmente brillante William Castle, es bastante particular, es obvio que este film hay que verlo en una sala, pero con mucho público y cuanto más ruidoso es el mismo, más positiva será la experiencia cinematográfica. Viendo el conjunto de la obra uno llega a creer que esta pieza maestra del género no esta concebida para verse en soledad, y sentir el escalofrío del miedo sino para gritar con muchos desconocidos. “The Tingler” debería estar entre las diez mejores películas de horror de toda la historia del cine, si es que este ránking no se ha confeccionado todavía. Vincent Price encarna a un científico que busca la corporización del miedo en el cuerpo humano. El problema radica en que esta materialización sólo es posible conteniendo el grito que dicha experiencia nos provoca. Para ello somete a una situación traumática a una sordomuda y a aprtir de allí... deberían sentir el “tingler” en sus propios cuerpos. La droga que Price inyecta en su víctima es el famoso por aquellos años ácido lisérgico y por ende cobró a través del tiempo la fama de ser el primero en representar la experiencia del lsd. Para el estreno de esta película Castle, que además de producir sus films, era un adelantado de los efectos especiales, pensó en un truco sensorial para aturdir al espectador. Dicho engaño consistía en colocar unas varas que se movían debajo del asiento en un momento en el que el bicho salía del encuadre. La pantalla se ponía en negro, la sala quedaba completamente a oscuras y la voz de Vincent Price clamaba a los espectadores Griten por sus vidas! Griten!

Journey to the Center of the Earth (1959)

Allá por 1959, y en la misma línea que “20000 leguas de viaje submarino” llegaba esta otra impecable novela de Julio Verne a la pantalla grande. El éxito de taquilla de la mencionada, sumado al de “La vuelta al mundo en 80 días” hizo posible que los productores de la Disney avanzaran con la creación de esta otra genialidad de la mezcla de géneros entre aventuras y ciencia ficción. James Mason vuelve a encabezar un elenco sin fisuras en el que también destaca Pat Boone. La particularidad de este film no sólo pasa por la visión de la época de lo que era la ciencia y el conocimiento, el hombre descubría un universo por voluntad propia, y arriesgaba su vida en búsqueda de los misterios de la naturaleza, siempre para poder entender un poco mejor el mundo que habita, muy diferente en lo que se refiere al género en la actualidad en la que si el hombre debe ir al centro de la tierra no es por curiosidad sino para salvar a su especie caso de la película “The descent”. La increíble dirección de arte es otro valor a rescatar, haciéndonos notar una gran similitud con el melancólico y depresivo mundo de Tim Burton. A medida que el profesor Oliver va bajando hasta el núcleo, se nos van presentando diferentes escenografías mezcla de surealismo y lsd. A esta altura nos damos cuenta que Burton no sólo copio su estilo a Caligari sino al mismo Hollywood del cual nos hace creer que es independiente. Para volver y cerrar un poco con esta joya recomendada para grandes y chicos nos queda decir que en la televisión alemania se vio una versión con escenas que no aparecen en la original. No hace falta hablar de las más de 5 veces que el film fue hecho remake, ya que esta es su mejor opción.

FAMILY HONEYMOON (1949)

Excelente comedia apoyada en un guión puntilloso que funciona a la perfección bajo una dirección acorde por parte de un especialista en el género de la comedia romántica como Claude Binyon. Claudette Colbert, cuesta creer que un hombre pueda enamorarse de una mujer con semejantes cejas, y Fred Mac Murray, siempre injustamente olvidado, conforman una pareja con tres niños algo particular. Los niños no son producto de esa unión sino que la esposa los trae de su anterior marido, y en 1949 eso podía llegar a ser un gran inconveniente social. La estructura del film responde a una road movie en la que la pareja resigna su privacidad en la luna de miel, llevando a sus hijos. Las situaciones que afrontarán a partir de entonces van a ser desopliantes, todas sustentadas en personajes secundarios interpretados de forma magnífica. La sensación que provoca este film es la de ver una película que se despega del resto del género, y que increíblemente no esta dirigida por Lubistch, Sturges o Wilder. William Daniels, el director de fotografía que fuera presidente de la Sociedad Americana de directores de esa disciplina por muchos años, a parte de fotografiar el film, debería aparecer como un personaje en el film si es que sus escenas no hubiesen sido borradas en la copia la Universal estrenó finalmente.

SAIGON (1948)

Un grupo de amigos termina sus servicios en el ejército y quedan varados en oriente antes de emprender su regreso a los Estados Unidos. Los tres son pilotos y quieren comenzar a disfrutar del tiempo perdido en combate. Más al saber que uno de ellos sufre de una enfermedad terminal. Toda esta secuencia transcurre en un bar y por el rostro de Alan Ladd nos imaginamos que lo que viene a continuación no va a ser precisamente un viaje de egresados. Allí les surge un negocio por $10.000 de un sospechoso magnate, siempre acompañado por su secretaria ,la enigmática Veronica Lake, para llevar en un avión un maletín con $500.000 no declarados a Saigón. A partir de ese momento se dispararán varios conflictos, algunos amorosos, un trío entre Ladd, Lake y el enfermo; y los peligros que conlleva trasladar dinero sucio. El film fue producido por la Paramount, dirigido por el menor Leslie Fenton, y si bien cuenta con la consagrada pareja actoral, tiene todo para parecer un producto de clase b. Este elemento lo transforma en un thriller mucho más atractivo. Por otra parte la trama nos hace recordar mucho a “Flight to fury” (Monte Hellman), salvo que esta última consigue niveles superiores en la dirección. Otro film al que nos recuerda el clima construído por Fenton al comienzo es “Only angels have wings” (Howard Hawks) sobre todo por la camaradería entre los pilotos y esa sensación de espera constante que se genera en tierra cuando no hay vuelos para realizar. El director Leslie Fenton comenzó su carrera como actor, justamente con Hawks en “The Public Enemy” y luego cambió al área de la dirección. Por muchos años fue el marido de Ann Dvorak.

Boy, Did I Get a Wrong Number! (1966)

En el tono de las comedias de Blake Edwards y Stanley Donen, aparece este film dirigido por uno de los más prolíficos directores de estudio: George Marshall . Bob Hope, ya no en el papel de soltero pobre y desquiciado, interpreta al tipo de personaje que haría en su época madura, el esposo norteamericano alienado por la vida conyugal, de buena posición económica que se atreve a vivir una aventura con otra mujer. Claro que lo de aventura no es tan literal, ya que esta incursión siempre esconde la finalidad de fortalecer el matrimonio y reconquistar la pasión. Puede ser que estos films suelan parecerse desde la puesta a sitcoms televisivas, más si analizamos los anteriores films en los que trabajó Hope, pero no dejan de ser atractivos por el carisma y el tono del mismo Bob. Es difícil saber cuanto hay de Marshall en este film, que por aquel entonces se dedicaba a filmar este tipo de comedia y cuanto de Hope, teniendo en cuenta la capacidad de improvisación con la que contaba el genio de la risa. La historia es sobre un agente de bienes raíces que ha invertido hasta el dinero de su mucama en una cabaña ubicada en una zona que quedó en el tiempo. Paralelo a esto hay una diva del cine que se pelea con su pareja, que a la vez es el director que la llevó a la fama y decide ocultarse en un hotel. Las historias se van a conectar a través de una telefonista despistada y a partir de allí cada uno intentará sacar provecho del malentendido. Para finalizar, éste no es un gran film pero se hace llevadero por la gracia de Bob Hope. Una de las cosas más llamativas sobre este film es que debe ser uno de los más sugestivos en el género de comedia familiar realizado por los estudios.