NO WAY OUT (1950)

El caso de Joseph L. Mankiewicz como director siempre fue polémico, porque si bien gozó de un merecido reconocimiento por sus pares en esa labor, nunca pareció ser el preferido de algún cinéfilo. A mi juicio creo que el hecho de que esto se halla dado de este modo, radica en que su mayor característica es justamente la que atenta un poco contra el espíritu del amante del cine clásico: el exceso de diálogo. Este rasgo que menciono, que emana de las bocas de los personajes compuestos por este director, debería estudiarse con detenimiento para dar cuenta que cumple una función más que interesante si ponemos un poco de atención lo que esas palabras dicen. No obstante, y esta obra es una prueba, sus historias no carecen de poderío visual, y hasta en algunos casos se anima a jugar un poco con las estructuras convencionales de la época como en “The Barefoot Contessa” (1954).
“No Way Out” no es uno de sus clásicos pero si uno de sus picos más elevados en su corta filmografía como realizador (recordemos que su carrera comenzó como guionista y productor). El porqué de esta pequeña pero gran película es un objeto de interés particular, radica en algunos aspectos de virtuosismo a la hora de configurar la puesta en escena que iremos recorriendo a continuación.
La trama se centra en una historia de contrastes entre el bien y el mal, el deber y el sentir pero por sobre todo en la oposición racial entre los afro americanos y los blancos de las bajas esferas sociales en los Estados Unidos de la década de 1950. Una pareja de hermanos caucásicos liderada por el siempre grande Richard Widmark, cae detenida en un hospital público con uno de los dos herido de muerte. El joven debutante Sydney Poitier, en su faceta de médico nobel, intenta sin suerte salvarle la vida en un confuso episodio que termina con el chico muerto en sus manos. Testigo de este infortunio es Widmark, cuya ceguera racial le hace creer que Poitier mató a su hermano a propósito. Desde ese giro, el argumento va a avanzar con el médico intentando probar su inocencia y el malhechor culpándolo de mala praxis, pero como si éste conflicto no fuera suficiente, se levantará alrededor de ellos una lucha barrial entre los negros y los blancos en las típicas calles nocturnas que un buen noir de esta clase puede ofrecer.
Para dar cuenta de la dureza del tema planteado en aquellos días, sólo hay que mencionar que Richard Widmark dudó demasiado a la hora de elegir interpretar a un sureño rabioso y sediento de venganza, que desde una cama de hospital agitaba a la comunidad a cometer una masacre racial. Esa elección temática es una de las cosas por las que debemos evocar a este gran director que siempre estuvo al límite de las reglas y que no dudó en tocar temas controversiales para la sociedad del “american dream”, recordemos la fábula de “All About Eve” (1950) sobre el manejo del poder entre las estrellas del espectáculo o el canibalismo y la homosexualidad en “Suddenly, last Summer” (1959).
En el plano formal se destaca el trabajo que hace a nivel espacial, recreando un mundo sórdido que en nada se parece a las ciudades que mostraban por aquellos días en la pantalla de Hollywood. Calles con mucha pobreza e inquilinatos que albergan a gente que ha perdido el trabajo sirven como metáfora de un caldo de cultivo ideal para que el odio entre los iguales aflore como si el de al lado tuviera la culpa de la desgracia de uno. Hay dos escenas que valen la pena recordar por su alta calidad visual: La primera es una nocturna en la que una pandilla de blancos se preparan en un desarmadero para atacar a la comunidad negra. De pronto una bengala marina ilumina el barrio para que el escenario pase a ser una despiadada lucha étnica que nos recuerda al inicio de “Gangs of New York” (2002); y la segunda una ingeniosa escapatoria de una testigo prisionera en una pensión en la que un magistral uso del sonido dramático nos confirma el dominio total del director de todas las herramientas del cine en su estado más puro.
Por otro lado van los diálogos que mencionábamos al comienzo de la nota, de ellos hay que decir que son duros y a veces repetitivos, pero es justamente a través de esa iteración que se logra un estado de crudeza y modismo social evitando el camino de la vulgaridad.
Entre las otras curiosidades que hacen de este film obligatorio, se destaca la primera creación gráfica de Saul Bass, quien estuvo a cargo del cartel de difusión y el primer papel estelar de Poitier, que es casi como decir el primer protagónico de un afro americano.