THE SPOILERS (1942)

Si tuvieramos que tamizar las películas que conforman la historia del cine para conseguir pequeñas pepitas de oro, seguro que aparecería esta de 1942 dirigida por Ray Enright. El film posee varios elementos llamativos para atraer al espectador, el escenario es Alaska, los actores son John Wayne, Marlene Dietrich y Randolph Scott, y el director se formó como editor en la “escuela” de cine de Mack Sennett. De más esta decir que por su locación, la historia trata acerca de buscadores de oro, pero no en clave de aventuras al mejor estilo Jack London sino como un clásico western de interiores. La base del guión es un triángulo amoroso compuesto por, la dueña de un burdel (Dietrich), un comisario corrupto (Scott) y un “duro” inquebrantable (Wayne). Este complejo affaire en el nadie está comprometido formalemente, pero todos coquetean genera un logrado clima de tensión sexual permamente. Por otro lado se destaca una pelea a golpe de puños, al estilo Ford, entre los protagonistas en la que se destroza toda una cantina.
Increíblemente, éste es uno de los films que más se remixó, de hecho esta es la cuarta de cinco versiones que se hicieron. Las tres primeras corresponden al período mudo y la última a 1955.

NOT AS STRANGER (1954)

Muchos directores del período clásico iniciaron su camino en el cine en otras áreas, es más, diría que fueron muy pocos aquellos que lograron ser directores en su primer experiencia. Stanley Kramer no fue excepción a la regla y comenzó muy temprano como productor, al punto tal de ser uno de los más destacados en la historia, sobre todo por su independencia a la hora de generar proyectos. Esta labor tuvo su reconocimiento en el 2002, año en que comienza a entregarse el Stanley Kramer award a la producción. Pero no es esa faceta de Kramer la que vamos a traer en estas líneas, sino su ópera prima. Kramer eligió la adaptación de un best seller, de nombre homónimo, escrito por Morton Thompson acerca de la carrera de un médico, desde sus años de estudiante hasta sus prácticas profesionales. Gracias a la experiencia como productor, la United Artsits puso a disposición del director a dos estrellas consagradas como Robert Mitchum y Olivia de Havilland, y un gran colchón de extras encabezados por Frank Sinatra y Lee Marvin. A pesar de que el film consiguió un gran éxito de taquilla en su época, es hasta el día de hoy que se mantiene en el olvido, aún no se editó en dvd. De más esta decir que Mitchum rompe la pantalla con la interpretación de un hombre oscuro, frío y calculador, que al igual que el John Payne de “El jefe”, se casa con una mujer por intereses, en este caso económicos. Luego de ver este film he llegado a la conclusión que junto a Bogart, Mitchum debe ser el actor más arrogante de hollywood, y es a través de ese recurso que logra la plena identificación con el espectador. Para volver al film, si bien el género es el melodrama, lo que mejor está construido es la carrera de Mitchum como estudiante, y su depresivo trasfondo familiar. Una visión sobre la relación entre medicina y moral bastante transgresora para la época. En conclusión un oscuro film que se transforma en gran película.

THE INVISIBLE MAN (1933) 2 PARTE

Hay un dato que no es menor, y nos ayuda a entender por qué esta película tiene grandes pasajes de humor. Esto se debe a la presencia de Preston Sturges en la escritura del guión, si bien no figura como acreditado en los títulos, la mayor parte del libro cinematográfico está realizada por el genio de la comedia. En cuanto al personaje de Rains, el hombre invisible, sufre una degradación en su personalidad, pasando de ser un hombre avergonzado por su enfermedad que busca encontrar la cura desesperadamente, a un loco que pretende dominar el mundo. Si tenemos en cuenta el metraje del film, notaremos que la trama avanza constantemente sin detenerse, lo que hace que el cambio de estado mental sea progresivo y no brusco. A raíz de esto, podemos decir que se produce un rito de pasaje (el personaje cambia de estado psicológico) en el que trae aparejado la muerte. Si bien el personaje de Rains muere, la Universal no dudó en traer la secuela “El hombre invisible vuelve” (1940) dirigida por Joe May, con un joven Vincent Price. Más tarde, hubo lugar para algunas remakes, y hasta para mujeres invisibles. Como reflexión final y después de haber visto la saga completa, las demás deberían desaparecer.

THE INVISIBLE MAN (1933) I PARTE

Basada en la famosa novela de H.G.Welles y de la mano del genio del terror en el cine: James Whale, se encuentra esta joya de la Universal, realizada en lo que fue el mejor período del estudio. Por esa época la companía estaba manejada por Carl Laemmle, quien supo regar de clásicos las pantallas de los cines, apelando a films de terror y ciencia ficción. La fórmula para estos éxitos no es muy difícil, un personaje aterrador, una historia de amor inconclusa y efectos especiales. Hay que destacar la trama melodramática en este tipo de obras, que generalmente suele ocupar gran parte de la historia y hasta definir el género. Quizás “El hombre invisible” no sea muy equilibrada en ese sentido, para mí gusto, se pone demasiado melosa. Contrario a esto, la dirección es impecable, Wahle toma desiciones realmente modernas en la puesta de cámara, lo que obliga a producir cortes casi modernos en el montaje, otro de los elementos clave, es la desición de mantener oculto el rostro de Rains hasta el final. De hecho la reciente “V for Vendetta” nos hace acordar mucho a este film en lo que hace al tratamiento del fuera de campo del rostro del protagonista, esto resalta una actuación en la que el tono de la voz suplanta a las facciones del rostro, Whale pensó en Boris Karloff para protagonizar el film, pero se inclinó por Claude Rains debido a su voz, de pronunciación intelectual. Hay una anécdota muy divertida que cuenta la hija del actor en la que llendo al cine a ver la película, la mujer de la boletería reconoció al intérprete por su voz y los dejó pasar gratis. Volviendo al tema del género, aparece el mensaje por excelencia de la ciencia ficción: ¿Hasta dónde puede llegar la ciencia a pervertir la moral de una persona? Y ¿Cuál es el precio que hay que pagar por el progreso? (continúa)

GOOD SAM (1948)

Leo Mc Carey se destacó siempre como un director de oficio que siempre supo comprender el gusto popular. “Good Sam” no es una excepción a la regla. Primero porque cuenta con dos actores de muy buena taquilla como Gary Cooper y Ann Sheridan, que realmente dan muy bien como pareja, y segundo porque apela a la parábola bíblica del buen samaritano, fábula de las más renombradas. Esta comedia trata sobre un hombre que se pasa de bueno, y las desventuras que esto conlleva ante sus pares de la sociedad, ya no en la antigua medialuna de la tierra fértil, sino en los Estados Unidos. Realmente la bondad de Cooper llega a irritarnos al mismo punto que a su familia, pero es la gracia de Sheridan lo que nos da un regocijo para seguir adelante con el film. McCarey se ocupó también de componer la canción original pero lo mantuvo sin acreditarse en los títulos. Para los que viven en la Argentina se me ocurre que hubiese sido un éxito hacer una versión con Luis Sandrini, para los que no, Capra ya había hecho algo parecido, y mejor con “Qué bello es vivir”.

THE BOSS (1956)

Quizás el elemento por el cual esta película no sólo resista, sino que cobre vigencia con el paso del tiempo sea su temática casi universal: la corrupción política. Si bien ya había antecedentes en Hollywood sobre este tipo de films, un ejemplo es “All the king’s men” (Robert Rossen) de 1949. “El jefe” se destaca por estar construido como una historia pequeña, donde el melodrama aparece como reflejo del accionar político del protagonista interpretado por John Payne. El guión fue concebido por Dalton Trumbo bajo el pseudónimo de Ben Perry, a raíz de que el guionista se encontraba en las listas negras del “macartismo”, y refleja la historia de un gángaster que construye su carrera política luego de la primera guerra mundial hasta su caída en la depresión del ‘29. La historia tiene algo de “Citizen Kane”,un megalómano sentimentalmente arruinado y su debacle, pero en clave más económica. Justamente el hecho de que el film no sea una super producción hace que los rasgos negativos del personaje sean más verosímiles y por lo tanto más terribles. No creo que esta sea una gran película, pero merece ser vista por la interpretación de Payne, y la escena final junto a su esposa, con la cual se casó borracho por lo fea que era, simplemente desgarradora.

THE ENEMY BELOW (1957)

Para seguir con los films bélicos me gustaría traer este que podría ser una de las mas brillantes partidas de batalla naval que se haya filmado jamás. Un acorazado norteamericano contra un submarino alemán, algo así como la tradición y el sentimiento contra la tecnología y la disciplina, con un elemento en común, el oficio que otorga el rango militar. Dick Powell, no tuvo mucha suerte como director de cine ya que viene de la actuación y su carrera como cineasta se limita a pocos films, la mayoría para la televisión. No obstante nos deja esta joya de la antigua estrategia de la caza del gato y el ratón. Robert Mitchum y Curt Jugens son dos almirantes enfrentados en la segunda guerra mundial que despliegan toda su experiencia en las artes de la marina. Una de las persecuciones, debido a la diferencia entre los vehículos, más raras que hubo en el cine. Si bien Mitchum gana la batalla en la ficción, Jurgens lo aniquila en el rol actoral, lo cual teniendo en cuenta el rival, no es poco. El alemán no sólo tiene que luchar contra el otro bando, sino también contra algunos de sus tripulantes que son fanáticos, Jurgen se encuentra algo lejos de los ideales a los que representa el nazismo. En lo formal, sobresale una secuencia en la que el sonido juega un papel fundamental, largos e inquietantes silencios seguidos de estruendosas explosiones. Llega un punto en que la atmósfera dentro del submarino es insoportable, el espectador siente el nivel de locura al que se somete a los nazis. En fin, estos dos marinos parecen ser los últimos guerreros de una raza en extinción. En una época en la que estaba de moda el western psicológico esta termina siendo una película bélica psicológica. Para cerrar el film, que proviene del libro de D.A. Rayner, se filmaron dos finales, los cuales el estudio testeó antes de estrenarla. Muchos de los extras que se encuentran en el acorzado estadounidense eran marinos reales, y entre otras curiosidades, el film sirvió como remake para un capítulo de la serie Star Treek llamado “Balance of terror”

VON RYAN'S EXPPRESS (1965)

Ante las múltiples ofertas a la hora de ver la carta cinematográfica, muchos elegimos las películas bélicas cuyo sub-género encima es el escape. No sé porque, pero reconzoco una debilidad especial ante este tipo de tramas, quizás esto se deba a que se ponen en juego varios elementos como el honor, el ingenio, la suerte y un buen plan. En algún punto se trata de dar un golpe perfecto sólo que si falla no perdemos el botín sino la vida.
“El expreso Von Ryan” viene a ser un poco todo lo que mencioné en el párrafo anterior, un grupo de soldados ingleses prisioneros en la segunda guerra mundial que se encuentra en un campo de detención en Italia. Por su parte Frank Sinatra (Ryan) es un aviador derribado, de las fuerzas norteamericanas. Como buen ángel caído, Ryan llega al campo como prisionero y por rango de milicia queda al frente del pelotón anglosajón, y planifica el escape del campo que incluye la huida a través del país en un tren alemán robado, intentando llegar a Suiza. Uno de los principales conflictos que planeta el film es que Ryan es norteamericano y los demás soldados son ingleses, lo que genera cierta desconfianza en la tropa, pero como todo buen americano los conquista con toques de gracia y humor. Por otro lado la película puede emparentarse con “The great escape” sólo que la de Robson dedica más tiempo al viaje en tren, mientras que la de Sturges se concentra más en el campo. El final es inquietante, ya que la parte más significativa del golpe falla, y Robson filma un desenlace desgarrador en el que no hay victoria sin sacrificio. Para destacar de esta producción de la Fox, estan la fotografía en cinemascope de William H. Daniels y la extraña partitura del maestro Jerry Goldsmith, un maestro a la hora de musicalizar el género. El gran problema de la película es su excesivo metraje, le sobra bastante y esto la vuelve algo pesada en algunos pasajes. El dato de color es que co-protagoniza una actriz llamada Raffaela Carrá.

TWELVE O'CLOCK HIGH (1949)

La Fox pensó esta obra maestra del género bélico en una combinación creativa de alto vuelo. Henry King en la dirección (tal vez junto a “The Gunfighter”su mejor film), Gregory Peck en el rol pricipal y Darryl Zanuck como productor. A King se lo conoce como el director más parecido a John Ford, esto no se debe tanto al estilo visual, sino más bien a la temática dominante que tiene que ver con la camaradería castrense y a las relaciones en la vida militar. Quizás este sea el film en el que King supera la comparación para consagrarse como autor independiente de las similitudes fordianas. No porque no las roce sino porque las potencia hasta la superación misma.
Es la segunda guerra mundial y los alemanes mantienen la ocupación en Francia, hay una división aérea de bombarderos que ha perdido la esperanza debido a la presión, el estrés y la mala suerte. Peck es un comandante que debe asumir al frente del escuadrón con el objetivo de levantar la moral. A partir de allí se suceden silencios y miradas que generan tensión. El film parece una olla a presión que esta por hervir en cualquier momento. Esto se logra con la genial puesta en escena de King, que decide dejar las batallas fuera de campo hasta que nos muestra las últimas y decisivas. Gregory Peck, que aceptó el papel luego de que John Wayne lo rechazara, comopone una de las más logradas demostraciones de liderazgo. La relación entre los personajes es vertical y se asemeja a los movimientos de un juego de ajedrez. Con el tiempo podemos decir que Stalney Kubrick haría con “Paths of glory” una película similar pero pesimista. Un dato curioso es que muchos de los veteranos de guerra aprecian este film como el más verosímil acerca de lo que fue la vida interna en un cuartel en la segunda guerra, el primer avión es estrellado realmente por el doble de reisgo Paul Mantz. También hubo una serie de televisión en la década del '60 adaptada del film dirigida por Richar Donner.

THE STRANGER WORE A GUN (1953)

Si bien el húngaro André de Toth no se destacó demasiado en su oficio de director, su filmografía tiene algún que otro título para destacar más por curiosidad que por otra cosa. A simple vista esta película tiene todo para no fallar, pero no consigue establecerse como una de las mejores obras del western. A pesar de ello merece ser vista por estos tres puntos:
A) Trabajan Randolph Scott, Lee Marvin y Ernest Borgnine
B) Está filmada para proyectarse en 3-D
C) Es un western
El mismo Randolph Scott asumió la producción para la Columbia, y de esa manera permitió que De Toth trabaje con cierta comodidad, por ejemplo usando su estilo de rodar a una toma. En cuanto al efecto visual no tuve la posibilidad de verla en su formato original de tres dimensiones, pero se pueden apreciar varias escenas de lucha filmadas para esta finalidad. En una de ellas Borgnine arroja cualquier tipo de objeto que tenga a mano hacia la cámara, ,lo que nos hace suponer que la sensación de una silla que sale de la pantalla, y viene hacia nosotros debe ser simplemente espectacular, pero sin el 3D Borgnine queda como un loco, que en vez de arrojarle cosas a su oponente se las tira al espectador. Lamentablemente el director del film nunca llegó a ver su obra en 3D dado que era tuerto (hay que recordar que se utilizan lentes con un cristal o filtro de dos colores, uno para cada ojo). Y por último, para redoblar la paradoja, De Toth dirigió lo que debe haber sido la mayor obra maestra de esta truca óptica. El film se llamó “Wax House”.

THE LOST PATROL (1934)

Hay films de John Ford que no suelen citarse por dos motivos: son difíciles de conseguir o se apagan ante títulos escenciales como “My darling Clementine” o “The searchers”. The lost patrol parece ser una de esas perlas que quedan ocultas en la ostra un tiempo más de lo debido. La idea del film surge de una adaptación de la novela “Patrol” de Philip MacDonald , la cual la RKO compró los derechos y se la ofreció a Ford para que la produzca y diriga. El contexto es la primera guerra mundial y hay un grupo de soldados ingleses perdidos en el desierto mesopotámico. Casi sin darse cuenta quedan varados en un pequeño oasis en el medio de la nada sin poder salir y con la única opción de resistir el asecho de los arabes.
A nivel temático la pelicula resulta ser una obra hawksiana. Grupo de personas libres que terminan encerradas en un espacio físico con un contexto que no les permite escapar. El que se aleja del grupo muere. La asfixia de la situación genera un clima de locura al mismo nivel que sube la tensión del espectador.
Se destaca un fanático religioso interpretado por Boris Karloff y la música de Max Steiner que recicló la banda sonora de Casablanca. En 1939 el estudio con Lew Landers en la dirección realizaría una adaptación en clave de western llamada “Bad Lands”

THUNDER ROAD (1958)

Me gustaría iniciar este blog con un título que vale la pena destacar, no sólo por su carácter influyente sobre las generaciones posteriores sino también por el compromiso del gran Robert Mitchum en lo global del film. La historia trata de un hombre que transporta licor desde un valle hacia las ciudades, y los constantes acechos y persecuciones por parte de la policía y la mafia. Todo esto dentro de un marco familiar muy similar al que se puede ver en “El Padrino”. Patriarcas que manejan a sus hijos, hermanos enfrentados y peleas territoriales. Claro que todo transcurre en un marco mucho más simple ante lo épico del film de Coppola.
Robert Mitchum se encargó del guión, de la producción, y hasta compuso y grabó la canción original “Ballad of Thunder Road”. Este tema se convertiría en un éxito los años posteriores. Otra rareza, algo que el actor siempre negó a pesar de los rumores, es que él había dirigido la mayor parte de las escenas. Hay que aclarar que el director era Arthur Ripley.
Entre los detalles mas curiosos cabe decir que Mitchum se da el lujo de actuar de hermano mayor de su hijo James. Que este film se proyectaba a modo de culto durante la década de los ‘80 en los autocines estadounidenses. Y por último Bruce Springsteen compuso un tema de título homónimo en homenaje al film para lo que sería su mejor disco “Born to Run”(1975) declarando “Nunca vi el film, sólo vi el poster”.

ESAS PELICULAS

Hubo un tiempo en el que el cinematógrafo se erigió como mito. Una época en la que el cine se gestaba en enormes fábricas con piezas humanas. Directores, actores, productores y técnicos eran elementos claves de esos engranajes que posibilitaban el funcionamiento en la creación del imaginario popular. De esos tiempos muchos films perduraron a fuerza de calidad, pero otros lo hicieron empujados por intereses que poco tienen que ver con virtudes. Sin embargo hubo un puñado de películas que sucumbieron en el olvido, o a las que se adjudicó el destierro bajo el título de “menores”. Este espacio, es para aquellas gemas ocultas, para esos films que crecieron con el tiempo a pesar de ser enterrados a la hora del recuerdo por títulos contundentes. En definitiva, los “otros clásicos” no son nada más ni nada menos que un grupo de films pretendiendo sobrevivir al recuerdo.