BEAT THE DEVIL (1953)

Muchos de los films que rescato en este blog son producto de carreras deniveladas, esto puede responder a varios factores, pero uno fundamental se debe a directores que alternaron grandes films con otros olvidables o a realizadores intrascendentes que dieron algún fruto preciado en el marco de una cosecha ordinaria. El ejemplo que da lugar a "Beat the Devil" significa la primer opción. Huston muy pocas veces fue reconocido en una primera línea de directores, siempre aparece como el más grande de los que vienen después. A mi entender Huston es un verdadero grande que no tuvo mucha fortuna, no obstante se la pasó filmando bajo todos los tipos de condiciones imaginables. Golpeado por los Cahiers, quienes no sólo no lo rescataron sino que aprovecharon para golpearlo, John regaló gemas de la cinematografía mundial que son de visionado obligatorio. Pero como el espíritu de este blog responde más a una mirada arqueológica, se me ocurrió desempolvar no sólo un film olvidado sino polémico. La discordia que genera esta película se debe a que a primera vista es mala, yo sería más preciso y diría simplemente que no va hacia un lado concreto. Esto no quita un sin fin de atractivos como por ejemplo el cast: Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Ginna Lollobrigida y Peter Lorre. Sumemos a estas estrellas a Truman Capote en el guión y al productor Jack Clayton, más tarde sería un director de poca producción pero toda buena ¿Qué es lo que salió mal? La respuesta se encuentra en esos nombres, todos espíritus libres, todos con algún vicio y por sobre todo amigos. Huston siempre dijo que este fue el rodaje en el que mejor se la pasó, compartiendo veladas con Lorre, Bogart y Capote, molestando a las mujeres, y perdiéndose en una paradisiaca isla . Llendo al film hay una trama de espionaje muy endeble con miles de agujeros negros, pero con diálogos frescos, Capote entregaba el libro de a una página y 10' antes de rodar. El resultado es una producción de clase a que en la pantalla parece de clase b. Afuera un caos descontrolado que hizo que el estudio abandonara el proyecto, y que Bogart tenga que poner plata de su bolsillo para terminarlo. Un episodio que resume este articulo es un accidente de auto que sufrió Humphrey en la isla dañandose unos dientes. Al doblar las voces en estudio, Bogey no estaba recuperado y se tuvo que llamar a Peter Sellers para que haga el trabajo de voz. Aunque sea sólo por eso, hay que ver esta aventura.

THE KILLERS (1964)

Habíamos revisado la primera adaptación del cuento "The Killers" a la pantalla grande por Robert Siodmark con conclusiones más que favorables, y ahora es el turno de la segunda remake con nombre homónimo filmada por Donald Siegel. Un dúo de asesinos encabezados por Lee Marvin entra a un asilo de sordos (visualmente con todo lo que eso implica) para liquidar a un hombre que no opone ningún tipo de resistencia ¿Qué hay detrás de esta rareza? será el enigma a resolver a lo largo de la película. Si no fuera por Lee Marvin y la belleza de Angie Dickinson, esta versión carecería de despertar gran interés, no llega a ser mala, pero si de las olvidables de un director más que desparejo. No podemos negar que Siegel se adueña del relato despegandose del libro y la película anterior, pero quizás le quite los elementos claves. Todo lo que tenía de nocturno la de Siodmark, ésta lo tiene de diurno; todo lo engmático de los personajes, ésta lo cambia por violento; y finalmente la caída en desgracia del protagonista aquí se vuelve caída en venganza. Si bien la trama no es la misma, vuelvo a insistir que tiene muchas variantes, Siegel no consigue transformar el relato original de manera sutil, como lo había hecho su antecesor, y debe meter el ojo de una manera más efectista. No obstante, a estas cuestiones de adaptación no favorables, es innegable reconocer el sello de autoría a través de secuencias llenas de tensión y de interesante factura fílmica. De "The Killers" sólo recordaremos algunas escenas fuertes de violencia, el último film en el que actuó Ronald Reegan antes de meterse de lleno en política, casualmente el único tambien de toda su trayectoria en el que hizo de malo, y la sensación de estar viendo un telefilm. Nota que aminora esto último es que más tarde me enteraría que el proyecto fue concebido originalmente para la caja chica y por su alto contenido de sexualidad y violencia fue directo al cine para salvar las posibles pérdidas.

THE KILLERS (1946)

En muchas publicaciones sobre la historia del cine se menciona el nacimiento del género negro como una prolongación del mismo proveniente de la literatura. Y dentro de este otro arte, el género tiene su aparición con un cuento de Hemingway llamado "Los Asesinos". Diálogos punzantes, atmósferas nocturnas y personajes de doble moral que siempre empuñaban un vaso de whiskey y un cigarrillo a modo de arma (esta última la guardaban debajo del piloto), pasaron a ser transpolados al cine para ilustrar de manera visual la pantalla. A partir de allí, el mundo del celuloide, por la década de 1940, se volvió muy obscuro, claro que las influencias del género no provienen simplemente de la literatura de Chandler o Burnett sino también del cine mismo. Pero esta no es una nota sobre el Film noir sino un disfrute de la adaptación que realizó Robert Siodmark, la primera ya que Don Siegel haría otra unos 20 años más tarde. En esta oportunidad se producía un hito en la historia del cine ya que era el debut como actor de Burt Lancaster, encima con el papel protagónico. Cuesta creer que esto haya sido cierto por el simple hecho que Lancaster esta en uno de los papeles de su vida. En la historia, interpreta a un guardia de un camión de caudales, enamorado de una femme fatale (Ava Gardner) es llevado a realizar un atraco. Como es de preveer en este tipo de films, el resultado no es el esperado por los asesinos y todo comienza a confundirse en una gran pesadilla. A partir de allí, el espectador comienza a compadecerse del personaje de Burt Lancaster, ya que guarda cierto grado de inocencia por haber abandonado a sus amigos y su vida, que hasta ese momento había sido ejemplar. Todo el relato esta estructurado en flashbacks, era muy común con este tipo de género y Siodmark juega muy bien con el espacio en el que se desarrollan las acciones. Los bares, los hoteles, incluso la abstracción espacial en la escena del robo, nos hacen pensar que todo esta articulado desde una cuestión espacial. Colaboraron con el guión los directores Richard Brooks y John Huston para acompañar a Siodmark en un film que gana siempre la segunda vez que lo vemos.

THE JOKER IS WILD (1957)

"En aquellos tiempos, si no servías, para sacarte del espectáculo te tiraban de un auto" con este gran chiste autoreferencial Joe Lewis abre su carrera de stand up comedy en esta olvidada película del hermano de King Vidor, Charles. Basada en la vida del cantante-cómico, el film no deja de sorprendernos porque reúne un conjunto de atributos que deberían haberlo convertido en uno de los clásicos más revisitados de la historia, inexplicablemente no ha sido así. Me gustaría hacer hincapié en alguno de estos valores a los que me refiero: Frank Sinatra, de magnifica actuación, sólo esta mejor en "The man with golden arm" (Otto Preminger), esto es acompañado por un guión sólido y demasiado ácido para la época, y una fotografía de blancos y negros contrastados que armoniza con encuadres perfectos. Antes de avanzar, quisiera detenerme en el caso de Sinatra, que casualmente logra sus mejores interpretaciones con personajes adictos y de comportamiento autodestructivo. Si en la citada película de Preminger, era un heroinomano desesperado por dejar de pincharse el brazo, aquí es un alchólico cuya fuente de inspiración para su humor esta siempre en una botella. Pero volviendo a la historia, esta trata de un excelente cantante de jazz de los años '30 que se niega a pactar con la mafia, ante la negativa, unos matones le cortan la garganta dañandole así las cuerdas vocales, me gustaría rescatar un momento logradísimo de puesta en escena en el que Joe conoce a su mujer, el espacio pertence a una gran fiesta de la alta sociedad, Joe se encuentra desencajado en ese ambiente al cual ya no pertenece, pero lo interesante es que Vidor deja la cámara detras de un gran lienzo que separa a Lewis de los demás y los otros son vistos a traves de éste como sombras recortadas detras de una pantalla, quizás porque era así como lo veían a él fuera del escenario.

BRONCO BILLY (1980)

Si con "The man who shot Liberty Valance" de Ford y con lo que vendría después hacia fines de 1950 con Peckinpah, el cowboy estaba siendo desmitificado como héroe del lejano oeste, con films como "Bufalo Bill y los indios" de Altman o "Bronco Billy" de Eastwood se daba un giro más, en este caso para ser ridiculizado. Pero esta recategorización no conlleva un sentido de castigo sino la idea que persigue el fin de reflejar la imposibilidad de ya no poder ser ni siquiera una leyenda.
Bronco Billy trabaja en un circo de rodeo al igual que Bufalo Bill con la simple diferencia que el tiempo ha pasado y que Bill había sido una figura verdadera, mientras que Billy adoró en su niñez a los cowboys de las historietas y eligió no crecer para ser una suerte de Peter Pan. Buscando tambien otro tipo de referencia con el personaje, nos encontramos con el popular serial de Bronco Billy interpretado por Gilbert Anderson allá por la década de 1910. Aquel fue el primer cowboy heroe de la historia del cine.
Pero volviendo a la película por momentos nos hace acordar a las épicas caravanas que transportaban ganado allá lejos en el tiempo, salvo que ahora la historia es otra y la caravana pasó a ser un circo rodante. El caso actual es muy diferente del pasado, pero con un mismo objetivo: la subsistencia. Si en "Río Rojo" de Hawks, los personajes tenían un pasado oscuro, en el film de Eastwood tienen un pasado falso que suplen con la construcción de un mito sobre el mismo.
Con algunas escenas realmente graciosas como una pelea en un bar donde un manco deja su garfio clavado en una puerta o la creación de una nueva carpa circense confeccionada en un manicomio con cientos de banderas de los Estados Unidos, esta comedia no va ser recordada como uno de los mejores films de Eastwood, pero si uno muy entretenido que finalmente nos deja el sabor que los norteamericanos bien podrían conformar un país de locos.

"THE CINCINNATI KID" (1965)

A juzgar por lo global del film, podríamos afirmar que fue uno de esos eslabones que sirvieron de transición entre el período clásico y el moderno. No tanto por el estilo de la narración sino por la frescura de la puesta en escena, en la que se puede observar una Nueva Orleans con ojos de documental, algunos desnudos femeninos (de espaldas) y un montaje que si bien no llega a ser innovador, tiene algunos cortes que evaden el clasicismo convencional. Al mando del director Norman Jewison, no sólo estuvo el fenomenal trio compuesto por Steve McQueen, Edward G. Robinson y Karl Malden en el plano actoral, sino tambien un equipo de colaboradores en el que Hal Hashby realizó el montaje y el argentino Lalo Schfrin la música. En la etapa de pre-producción también participó Sam Peckinpah, que no llegó al rodaje, por filmar actrices desnudas que iban a actuar de extras, de hecho una de las aspirantes tomadas en esas sesiones fue la desconocida por ese entonces, Sharon Tate. Pero volviendo a la película, la misma nos recuerda a esas historias de póker del lejano oeste, donde las relaciones se reflejaban en la mesa de juego con una mezcla atmosférica de film de gángster de los años '30. Este último elemento se hace presente también en las características del protagonista, quien tiene más para perder que para ganar y que por esa simple estadística termina perdiendo. Para concluir, Norman Jewison abandonaría este camino para dedicarse más a un cine que no dejó de contar historias, pero que se inclinó hacia una mirada más social, ojo que aquí esa mirada no esta ausente, pero es seguro que no esta en primer lugar.

SAN QUENTIN (1937)

Si para el cine de hoy la cárcel nos suguiere un universo a retratar para la cámara, imaginense que para el año 1937, ese mundo estaba aún por descubrirse. La población carcelaria era tratada como ganado, y los guardias no contaban con demasiados elementos para controlar un número de personas que los doblaba varias veces. Ya de por sí el conflicto es más que atractivo, si a esto le sumamos una línea de amor entre el capitán del penal y una hermosa cantante de jazz, que se obstaculiza por el hermano de la señorita, un delincuente, que por esas casualidades del cine, va a parar al penal del pretendiente de su hermana. Claro que ninguno de los personajes juega a cartas descubiertas, nadie sabe lo que hace el otro durante el resto del tiempo. Un sólido guión va aprovechar al máximo estas relaciones cruzadas para ir revelándolas de a poco y a su debido tiempo, casi con ese ritmo tan sincrónico de una manecilla de reloj que poseían los guionistas del '30. El escenario de esta tragedia es el mítico penal de San Quentín, allí donde se alojaban los reos más peligrosos, hasta la construcción de Alcatraz. El film de Lloyd Bacon fue rodado en esa misma cárcel, y cuenta con mucho material de archivo, sobre todo para algunos planos generales de establecimiento en el que se pueden ver a los presos en el patio en su momento de descanso. Otra cosa destacable son las afiladas y graciosas líneas de diálogo que saben sacar una sonrisa sin perder el hilo dramático del género. Y finalmente un Humphrey Bogart tan duro como siempre, que acaba muriendo como siempre, pero que aún no estaba consolidado como estrella. Para cerrar hay una frase del film que lo resume todo "...No hay nada más solitario que caminar de noche..."

YVONNE DE CARLO

Cada vez quedan menos, sólo vivirán en las películas, y esto último no es un consuelo sino una gloria. Yvonne de Carlo es otra actriz que pasó a ser estrella, pero ya no metafóricamente sino a través de la muerte. El contexto marca que fue a la edad de 84 años y por causas naturales. Al igual que hicimos con otras figuras que se fueron hace poco, me interesa a modo de pequeño recordatorio, rescatar a ésta no tan reconocida intérprete del período clásico.
Había nacido en Canadá y su cualidad principal fue la belleza, coronada "Miss Venecia" (1938), pero no eligió el camino del modelaje porque en en 1940 arribó a Hollywood para actuar en roles menores de muchos films, esperando una oportunidad de sobresalir. En 1943, consigue finalmente el objetivo con el western "The Deerslayer" en el que hizo de princesa indígena, y apartir de allí, no paró de liderar en roles principales, entre ellos "The Ten commandments" y "Criss Cross", como los más representativos. Continuó con este recorrido cinematográfico hasta la década de 1960 en la que se dedicó exclusivamente a la televisión. Uno de sus últimos trabajos fue una curiosa participación para uno de los episodios de "Tales From de Crypt" en 1995, la elección del papel debió darse como una cita referencial, debido a que De Carlo intepretó para la tv la serie "The Monsters". Lo que a partir de ahora nos queda es mirar la pantalla y contemplar uno de los rostros más finos que regaló el celuloide.

"SANDS OF IWO JIMA" (1949)

Con los recientes estrenos por todo el mundo de las nuevas películas de Clint Eastwood sobre Iwo Jima, quería recordar a uno de los primeros films que tuvo este episodio como trasfondo. Si bien es un film bélico, la trama se centra más en la cuestión íntima. Un joven rebelde es instruído por parte de su superior en el ejército norteamericano para servir en la segunda guerra mundial. Esto no significa que no hayan escenas de combate, pero no es una película de "campo de batalla", es un film en el que el rito de transubstanciación termina siendo el elemento central. El director de esta pieza, Allan Dwan, de larga y despareja filmografía, supo concebir este film como uno de los más interesantes de su carrera. Quizás no se deba a la puesta en escena a la que nos tiene acostumbrados, siempre austera, sino a la interpretación de los pequeños detalles que construyen las relaciones entre los personajes. De esta manera, John Wayne termina actuando uno de los papeles más logrados de su trayectoria y al que guardó un cariño especial. Tal es así que cuando dejó las huellas de sus manos en el teatro chino, la mezcla para hacer el cemento fue traída especialmente de Iwo Jima. Y otro dato curioso es que hay una escena en la que Wayne le enseña a llevar el rifle al joven Hal Baylor, de hecho lo reprende de manera contundente. Lo extraño es que Wayne nunca sirvió para el ejército, mientras que Baylor fue integrante de los marines en la guerra que se menciona en la pantalla.