DELIVERANCE (1972)

Este film de culto para la mayoría de cinéfilos, se ha transformado en una pieza infaltable a la hora de armarse una filmografía escencial. El director inglés John Boorman, tuvo una carrera algo accidentada intercalando éxitos y fracasos, tal vez se deba a la ausencia de suerte al elegir a sus productores o a lo disimil de sus proyectos. Estos van del genial policial “Point of blank”(1967) hasta la insulsa “El sastre de Panamá” (2001), pero nadie puede negar que el que tomamos en esta ocasión sea el mejor film, producto del período de mayor esplendor creativo de este realizador. Como suele suceder siempre en este tipo de películas, la trama se nos presenta sencilla, un grupo de amigos de mediana edad, genialmente interpretados por Burt Reynolds, John Voight, Ned Beatty y Ronny Cox, decide salir un fin de semana hacia un pueblo para practicar turismo de aventuras. Alquilan rifles para cazar ciervos, unas canoas y salen a navegar un bravo río en esas piraguas. El problema se inicia cuando empiezan a presentarse algunos elementos algo llamativos por lo extraño, como un pueblo hostil, una persecución gratuita y un misterioso niño autista que toca el banjo con maestría. A partir de allí, la experiencia se va a transformar en un hecho traumático, donde va a pasar de todo. De hecho la palabra que da título a la obra tendría una traducción como “Mala experiencia”. Increíblemente este film no es tan recordado como debería, salvo por algunos maestros que la citan en sus respectivas películas como el director argentino Fabián Bielinsky en su última realización “El aura”. Como dato clave para entender el tono que buscaba Boorman en las escenas, las mismas que eran bastante riesgosas por cierto fueron ejecutadas sin dobles de riesgo o sea por los propios protagonistas. En definitiva “Deliverance” nos muestra la aparición del miedo en donde menos creemos que lo podemos llegar a encontrar, una banda sonora sureña con piezas de ejecución hermosas para disfrutar fuera del film y una razón justificada a la hora de negarnos a pasar un día de campo.

THE WIND AND THE LION (1975)

Respondiendo al viejo y glorioso cine de aventuras de la más fiel narrativa de los grandes relatos de la literatura, aparece en 1975 esta preciosa película comandada por el siempre polémico John Millius.
Sean Connery, que en la mayoría de los casos nunca es de mi agrado, se destaca aquí componiendo a un guerrero islámico que encomendado por su dios afronta una lucha de guerrilla en el medio del desierto contra las potencias europeas que oprimen a su gente. El llamado “Rasuli” no es un bárbaro, sólo está encomendado a cumplir su destino, sus acciones son las que le confiere el gran Alá, es por eso que a los occidentales les cuesta entender sus gestos. Pero por otro lado, esta la potencia emergente que es norteamérica, un país politizado, industrial y cuyo objetivo es el progreso ilimitado. Pero quien comanda a esta nación en el relato es nada menos que Theodre Roosevelt, figura histórica por la que el director Millius siempre sintió profunda admiración. Un presidente que sentó las bases de supervivencia con las que Estados Unidos se debería haber comportado durante su larga historia de contiendas, desgraciadamente en la mayoría de los casos esto no ha sido con tanto altruismo. Cada uno de estos antagonistas representa a un elemento de la naturaleza, porque en algún punto el instinto de pelea esta en su casta. El gran Rasuli es el nómada León del desierto marroquí que lucha y caza para que los suyos puedan sobrevivir bajo el mandato divino de su doctrina religiosa. El enorme “Teddy”, al otro lado del océano asoma como un luchador que encarna al viento arrasador del un siglo que comienza y que pretende llevarse todo por delante. Uno es el sable y el otro el Winchester, no hay mejor metáfora para reflejar la complejidad de estos dos seres que son armas vivientes cuya diferencia es que el primero remite a la tradición y el segundo al futuro.
La trama de esta película rodada en el desierto de Almería (España) se centra en un conflicto diplomático entre varios países luego de producirse el secuestro de una mujer y sus hijos a manos de Connery. Varias potencias luchan por la cabeza del patriarca y los intereses políticos que implican el hecho del rescate de la familia. Mientras tanto en las arenas, el niño raptado estadounidense se ve seducido por la grandeza del sultán en un proceso que lo llevará lentamente a transformarse en algo parecido a él.
Millius, que no realizó muchos trabajos como realizador, hace aquí gala de su gran trayectoria como guionista y se da el lujo de contar con la actuación de un maestro del género de aventuras como John Huston, una especie de declaración de principios sobre el cine que lo formó y el que le gusta hacer.

THE JERK (1979)

Si hubiera una línea recta que marcara un estilo de comediante, esta comenzaría con Buster Keaton, seguiría con Jerry Lewis en una etapa pasaría por Steve Martin y desembocaría finalmente en Adam Sandler. A todos ellos los une cierto tipo de humor basado en la creación de un personaje que puede bien rotularse con la palabra idiota. Un verdadero “outsider”, ya no de una sociedad determinada sino del mismísimo mundo, alguien que no comprende de normas pero que tiene una virtud especial que lo lleva a triunfar. Justamente ese don que posee es el de creer en los demás, algo que quizás no este del todo aceptado. Hablando ya de la obra, una muestra que remite a este exceso, absurdo, de confianza es el gran consejo que recibe Steve Martin de su familia antes de abandonar el hogar a la mayoría de edad: “No confíes en nadie”. Obviamente este es el primer mandamiento violado por nuestro protagonista que a partir de esta premisa se manejaará como un niño inocente en este nuevo mundo a descubrir.
Si tomamos el relato, el elemento cómico esta dado por situaciones de gags y acciones no lógicas del personaje de Martin a la hora de interactuar con la gente que va conociendo. Los que aparecen en este camino son comerciantes, prostitutas, mendigos y asesinos seriales entre otros. Quizás el paso de una situación a otra no tenga la fluidez de las grandes comedias y ese sea el punto en el que la película falla. No por eso la comicidad deja de estar ausente, Steve Martin se encarga de sacarnos risas a cada instante con sus dotes naturales para el género. Con algunas gotas de ironía, la historia va transformándose en una gran épica norteamericana del excluido que llega a las más altas esferas de la sociedad. Con el triunfo en sus manos es reconocido pero nunca aceptado es más, su caída lo lleva a la miseria y el olvido.
Gracias a la temática, y al tipo de personaje por momentos encontramos un cierto parecido al multipremiado film de Robert Zemeckis “Forrest Gump”, pero en otro tono y con una mirada casi ausente de política.
El tiempo le ha dado a esta comedia, la mejor de Carl Reiner, la distancia para entenderla como heredera de aquellas de Frank Tashlin con Jerry Lewis como personaje obligado a la hora de interpretar a un loco o un tonto. En esta ocasión el legado cae nada menos que en manos de un “casi” debutante Steve Martin. Proveniente de la tradición televisiva de “Saturday Night Live”, escribió el guión de este film para acercárselo al director. A partir de esta incursión Martin se convirtió en un referente de la comedia en el cine al punto tal que Stanley Kubrick llegó a ser fanático de este film.

"THE RAID" (1954)

Una de las tantas facetas que tuvo la guerra civil norteamericana, y no tan explotada en el cine fue el espionaje. La angustia de aquel que debe comportarse y hasta vivir como el enemigo para poder vencerlo. No es muy conocido el desempeño de esta estrategia en la guerra de cesesión, sobre la infiltración del sureño en las sociedades gobernadas por la Union, para poder dar pequeños golpes y conseguir desestabilizar, a modo de guerrilla, a la sociedad norteña. En este relato el espionaje tiene un plus que lo justifica, y es la venganza personal que complementa al objetivo bélico en sí. Van Hefin, recordado por "Shane", es un teniente del ejército confederado que encabeza un pelotón de soldados prisioneros de guerra que logran escaparse. En el trayecto, esta cuadrilla queda varada en lo que era por aquel entonces Canadá. Allí se apoya ampliamente a los yanquis, cosa que hace que nuestros héroes deban esconderse y enviar a su jefe a trabar amistad con los miembros de la sociedad a modo de espía para controlar los movimientos, ya que planean robar el banco antes de escapar hacia el sur. Esta operación de vaciar las arcas rivales es verídica y fue muy utilizada en aquella guerra, Van Hefin decide mantener a los suyos en un granero alejado y manejarse con unos pocos dentro de la ciudad, entre ellos el desequilibrado Lee Marvin. Una vez que comienza el engaño el protagonista se hospeda en la casa de la amiga de un soldado enemigo por la que siente una "especial" simpatía. La bella, interpretada por Anne Bancroft, tiene además un pequeño hermano que se encariña con Neal Benton (Heflin) al punto de sentirlo como un padre. Uno de los momentos más impresionates del film es una escena en la iglesia en la que un ebrio Lee Marvin intenta matar a l cura yanqui en presencia de su teniente infiltrado. Este último tiene que abatirlo a pesar de que es uno de los suyos, para no revelar el plan. El hecho de que se cometa un asesinato en una iglesia ya de por sí es fuerte, si encima se mata a un compañero, es aún peor. De esta forma el director del film, el argentino Hugo Fregonese, nos muestra que la guerra es complicada y en el caso de ser una contienda civil mate a quien se mate, se está luchando entre hermanos. Para terminar me queda una imagen que tiene no sólo un alto contenido emotivo sino también de significación, y es cuando el pequeño ve a su héroe vestido con el uniforme del enemigo. Primero lo niega e inconscientemente trata de matarlo llamando al ejército local, pero luego de ver las crueldades de la batalla y como el hombre que lo desilusionó intenta protegerlo, se entrega a la verdad para reconocer que lo admira.

Nightmare Alley (1947)

Para muchos críticos y realizadores norteamericanos, éste es uno de los film noir más representativos del período en el que el género nos deslumbró con su pasiaje nocturno de personajes que representaban a la lacra de la sociedad. Inexplicablemente, y quizás por no estar firmado por un John Huston, Raoul Walsh o Howard Hawks, quedó atrapado en el rango de "producción de estudio". No voy a ubicar en la categoría de grande a Edmond Goulding, pero si con un film sólo bastara para quedar en ese círculo, seguro lo alcanzaría con "Nightmare Alley". Tyrone Power, interpreta a un timador que escala desde lo más hondo de una feria hasta las altas esferas de la gran ciudad, seduciendo al público con un truco que no hace distinción de clases sociales, leer la mente. Claro que esta escalada no es sólo producto de ese falso don sino de la metodología recurrente de seducir mujeres para ir consiguiendo siempre alcanzar un nuevo peldaño. Pero como Power era un galán y casi siempre bueno, Goulding tuvo que matizar un poco a su personaje dotandolo de una redensión final, por lo menos ante la platea femenina. El mundo que fotografía el director en esta producción de la Fox, juega con los misterios de lo místico pero desde un lugar desmistificador, evidenciando permanentemente el artificio de estas cuestiones, pero en alguna que otra situación sugiriendo que el tema no esta cerrado del todo, y que en el fondo hay algo que no se puede explicar (esto se ve en las cartas de Tarot que marcan el destino del protagonista). Con un guión muy aceitado de John Furthman ("Río Bravo","Shangai Express", "To Have and Have not", "The Big Sleep") la película comienza con un ritmo algo pesado, sobre todo por las largas secuencias de diálogo, que sirven para construir al personaje de Tyrone, pero una vez superados los 40 minutos iniciales, adquiere un buen ritmo que no abandona hasta el final. En la segunda mitad del film, ya fuera del ámbito rural y en la ciudad, encontramos a un espejo del pretidigitador, que viene a ser una falsa psicóloga creada por la fría . El director nos enfrenta entonces ante dos posibilidades diferentes de la manipulación del hombre a través de la mente. Pero como los engañadores se reconocen mutuamente, estos métodos se combinan para que una vez más el citadino venza al hombre del pueblo. A medida que su popularidad crece, Power comienza a jugar con la prédica religiosa, años después veríamos a Burt Lancaster hacer lo mismo en "Elmer Gantry", y como si Dios pudiera oírlo se lo hace pagar con la locura y una triste regresión a un estado animal, claro que antes del plano final deja abierta una oportunidad. Si hay una frase que recuerda esto es: "A aquellos a quienes Dios quiere castigar los vuelve locos".
Pero lo más atractivo de este gran relato es ver la prolongación de la influencia expresionista del cine alemán que no sólo influenció al Noir con sus luces y sombras luchando dentro el cuadro, sino que también con la temática de una mente perversa que planea crear una sociedad de control manipulando a los más inocentes para beneficio propio.

MC CABE & MISS MILLER (1971)

Es muy difícil pensar que un hombre al que no le gustaban los westerns como Robert Altman, haya podido realizar semejante película sobre el género. En esta ocasión el director supo interpretar como pocos el mito para renovarlo otorgando una mirada pocas veces vista. Como si hubiera hecho varios, Altman parte de todos los clichés del género para llegar a lugares de una atracción poética sustentada en los elementos más vicerales de la puesta en escena. Las bases de esta coonstrucción son un registro actoral irónico con un Warren Beatty que esta en el papel de su vida, incluso superando la genial actuación de "Bonnie and Clyde", y una Julie Christie, premiada con una nominación a los Oscar. La música folk al mejor estilo Dylan de una desconocida voz, por lo limpia, de Leonard Cohen se mezcla con un paisaje invernal que nos hace pensar en la soledad de esas salvajes tierras de aquella época. Capítulo aparte para la fotografía de Vilmos Zsigmond en clave baja iluminando el relato con velas que aparecen entre sombras. Zsigmond no parece haber tomado como fuente de inspiración ninguna referencia pictórica sino la posibilidad de transportarse en el tiempo, porque luego de ver esta película el espectador no puede imaginar un oeste más verosímil que el que fotografió allí.
El relato habla del progreso, de la construcción de un país en función del libre mercado, pero de las mafias que lo manejan. Si leyeramos la metáfora, Altman postula su independencia, la que llevó durante toda su trayectoria, contra los estudios monopolizadores. Al igual que el realizador, Beatty cree que puede afrontar a los poderosos no con la fuerza de un pistolero, ya que no lo es, sino con el valor que le otorga el sentido común de la libertad. El film íntegramente rodado en Vancouver, arroja uno de los finales más poéticos del género en el que juega simétricamente con una iglesia que arde en llamas y un Beatty que se congela. Visualmente esta todo dicho y con una belleza narrativa que nos recuerda a la prosa literaria del gran James Joyce.

HUSTLE (1975)

Hustle es la típica película que dentro de la filmografía de un gran director puede ser injustamente categorizada de dos maneras: mala o menor. Lamentablemente esa es una de las razones por las que un espectador resigna la oportunidad de ver muchos films interesantes a la hora de hacer su detallada selección. Pero como si tuvieran vida propia, estas obras logran colarse de alguna manera para llegar hacia nosotros. Así fue que “Hustle” arribó a mis ojos, luego de haber rechazado el afiche con el que se presenta, que por cierto no es demasiado atractivo. Este es uno de los últimos trabajos de un grande que supo manejarse en los períodos clásico y moderno con la misma maestría, denotando altas cualidades de versatilidad. El film que nos encuentra, pertenece a una época en la que Aldrich ensayaba a Burt Reynolds como protagonista (recordemos “The Longest Yard”) y dejaba un poco su visión de gran relato canjeándolo por un solo hombre que pudiera llevar adelante películas más pequeñas. No por eso deja de existir ese ambiente derrotista que es eje central de la temática del director, sino que por el contrario lo acrecienta. Reynolds es un policía con su propia ley, al igual que sus contemporáneos Madigan y Harry Callahan, todos unidos por sus particulares métodos de operar dentro del sistema policial. Burt de ponto se ve investigando un confuso caso que involucra a una adolescente muerta, que aparentemente cometió suicidio. Pero en una segunda línea narrativa aparece el conflicto que sufre al mantener una difícil relación con su mujer, Catherine Denneuve, quien no ha abandonado su oficio de prostituta. Este matrimonio entre lo legal y lo ilegal no sólo refleja la esencia del personaje sino también del film, que además tiene un final algo inesperado. Por otra parte de la historia, se encuentra el padre de la víctima, un ex combatiente que vaga en este mundo como un zombie no asumiendo el suicidio de la joven y buscando a los asesinos. Probablemente esto nos recuerde un poco al film de Steven Sodebergh “The Limey” (1999), con un Terence Stamp afiebrado por la sed de venganza, pero a diferencia de aquel, nuestro padre esta un poco más “perdido”. Finalmente agradezco a aquellos que insistieron en que vea esta gema y espero contribuir para que la cadena no se quiebre y pueda descubrirla alguien más.

"THE 'BURBS" (1989)

A simple vista, el mundo de Joe Dante puede parecernos el más apacible lugar donde un hombre puede disfrutar en plenitud de la cotidianeidad de la vida. Este universo suele estar reflejado en un pequeño pueblo con nieve en la fecha de navidad como es el caso de “Gremlins” o en un vecindario calmo y rutinario con casas normales habitadas por gente común como en “The Burbs”. Pero esto es sólo una capa que con el transcurso de la historia se irá derritiendo, porque una vez que Dante nos tiene en sus manos transforma ese espacio inofensivo en un lugar difícil e irreconocible. Un sitio en el que lo peligroso estaba escondido en un sótano, bien guardado, por temor a que se manifieste y quiebre con ese orden ideal. En “The Burbs”, Tom Hanks es un simple marido empleado que decide pasar la semana de vacaciones en su casa, porque cree que no hay mejor tranquilidad que la paz del hogar. Impulsado por un particular grupo de vecinos, empieza a involucrarse en la sospecha de que alguien del barrio, puede llegar a ser un asesino. Estas conjeturas son sacadas por el poco o extraño movimiento que se da en una casa de apariencia “embrujada” donde se han mudado los sospechosos, unos eslavos que no se relacionan con los otros de la comunidad. Para incrementar esta paranoia, podemos sumar que los “extraños” sacan su sospechosa basura en auto, y tienen un subsuelo cuyas ventanas rugen con humo y fuego. Los personajes que acompañan a Hanks son nada menos que Bruce Dern, un nacionalista sureño que ve a los vecinos de apellido Klopec como una amenza a la forma de vida norteamericana, y Rick Duccomun, un marido que aprovecha sus días de soltería. El trío funciona a la perfección sobre todo por el impuso que le da la actuación del gran Bruce Dern, que realiza un personaje político como suele haber en todas las películas del director, sin importar el género que fuese. La historia resulta una vuelta a la infancia de estos hombres que solían jugar en las calles por aquellos días lejanos, pero ahora con las responsabilidades de la vida conyugal y con el paso del tiempo a la adultez han perdido ese espacio para el ocio. No en vano los hombres se comportan como niños y son vistos como tales ante la mirada de los verdaderos chicos del lugar. En esta pérdida de la inocencia tardía, Dante nos dice que aquellas madres ahora son nuestras esposas y que aquellos supuestas intrigas peligrosas ahora pueden ser reales pesadillas.

MURIO BOB CLARK

De manera estúpida y por un gesto de inconciencia ajena se ha ido uno de los directores más olvidados, que a pesar de ello guarda en su filmografía películas muy recordadas. La madrugada del 4 de abril de 2007, Bob Clark fue embestido por un auto manejado por un alcohólico sin registro de conducir perdiendo la vida junto a su hijo. Llendo a su recuerdo en la pantalla grande, ésta presenta a un hombre desconocido que filmó una de las mejores, sino la más emblemática, películas de preparatoria de todos los tiempos: "Porky's" (1982). La influencia de esta obra se nota en que el cine de comedia mas main stream para consumo adolescente que se ve hoy en día, como la saga "American Pie" o "Road Trip", tenga su génesis en este film. De la otra parte de su carrera sólo podemos destacar el descubrimiento y conversión en musa softcore de Kim Catrall, una interesante versión de Sherlock Holmes en "Murder by Decree" (1979) y la divertida aventura navideña "A Christmas Story" (1983). Lamentablemente su muerte en el cine fue anunciada al no capitalizar estos éxitos de taquilla para poder desarrollar un estilo propio. En la vida real la cosa fue más sorpresiva y violenta.