FANTASTIC VOYAGE (1966)

En medio de la guerra fría, ámbito ideal para el crecimiento de la ciencia ficción en el cine, apareció esta aventura exploratoria hacia el interior del cuerpo humano dirigida por Richard Fleischer. Un proyecto ideado como anillo al dedo para este realizador que se destacó en el género, otorgándole al mismo, la cuota de aventura necesaria para hacer vibrar al espectador. Sin embargo, y me duele admitirlo porque las películas de Fleischer son maravillosas ( "20,000 Leagues Under the Sea" "The Vikings" o "Red Sonja" ), esta no consigue ni por asomo llegar a la altura de los títulos mencionados.
La línea argumental es simple, todo comienza cuando un científico es herido en su cabeza en un intento de secuestro y para salvar su vida debe ser operado de urgencia. Para ello se convoca a un eximio grupo de médicos y a un militar entrenado con el fin de miniaturizarlos e introducirlos en el cuerpo del paciente, y de esta forma lograr una operación interna. A priori la idea parece muy atractiva pero no esta bien llevada a un adecuado nivel de realización. Parece que Fleischer se dispersa en la progresión del relato, que avanza muy lento para el requerimiento de este tipo de películas. En algún punto el hecho de que en el exterior del cuerpo pase poco y nada estanca la narrativa aburriéndonos, y no hay nada peor que aburrir en un relato de aventuras. Un caso interesante para comparar es el de "Innerspace" de Joe Dante, que podría considerarse una especie de remake, en la que hay tanta acción dentro del cuerpo humano como fuera, Esta relación de peligro exterior-interior provoca un saludable equilibrio para no asfixiar al espectador. En cuanto a la puesta en escena, Fleischer, sabio conocedor del formato Scope y del Techincolor, se apoya demasiado en el diseño de arte haciéndolo el primer portagonista del film. En este placer de recrear el interior del cuerpo humano, el director se olvida un poco de la historia y nos termina ofreciendo un viaje didáctico como los que hay en los parques temáticos de Disneylandia al punto tal que finalmente la película terminó siendo inspiradora de una de estas atracciones.

SERGEANT YORK (1941)

"Había una vez un granjero que araba una tierra infértil en la pradera de Tenesse, pero a pesar de trabajar duro su pasatiempo era disparar contra los árboles totalmente borracho y buscar peleas en los bares donde pasaba las noches tomando alcohol con sus dos amigos. Sin embargo, cierto día un rayo cayó del cielo y lo transformó en un hombre religioso y de bien..." Esta fábula, sólo describe la primera mitad de este maravilloso film del maestro Howard Hawks. La segunda parte esta dedicada al heroismo conseguido por el simple Alvin York en la primera guerra mundial y su vuelta a la granja como una gloria viviente.
Con esta historia, Hawks despliega en la pantalla grande su aceitado mecanismo de invisibilidad, la fluidez con la que avanza el relato es suave y para nada apresurada, de hecho llama mucho la atención el hecho que la historia recién se dispare muy empezado el film, muy al contrario de su filmografía. Pero esta elección deliberada esta al servicio de que la historia no se fracture cuando cambia en espacio al salir del pueblo llegando a la primer hora de las dos que dura la película. Otro elemento hawksiano clave es la enorme dirección de actores que ejerció con Gary Cooper (que ganó el Oscar por este papel) y Walter Brennan (interpretando el rol de un hombre mayor, cuando aún era joven). Para completar este punto podríamos decir que Cooper esta en el mismo registro de "Meet John Doe" de Frank Capra o "The Good Sam" de Leo McCarey, es más su personaje parece una mezcla de los otros dos. Todo lo demás como suele ser habitual en el cine Howard, destacadas actuaciones secundarias, encuadres amplios con muchos personajes y sobre todo interiores cargados de una atmósfera fuerte.
Si bien el objetivo de este proyecto era la propaganda, tengamos en cuenta que Estados Unidos estaba participando de la Segunda Guerra mundial, no sólo cumplió con el mismo, llenando las salas y haciendole sentir al pueblo que los "York" podían volver como verdaderos héroes norteamericanos que podían cumplir sus sueños de libertad al volver, sino que también permitió al director plasmar su universo recurrente. Cuando digo esto, me refiero al héroe que tiene que cumplir su misión en solitario y sin entender bien el por qué. A los grupos sólidos que se cierran y rechazan a aquel que no pertenece, pero que nesecitan un líder que les marque el rumbo.
En fin, si habría que definir "Seargent York" la mejor manera sería entederla como una parábola cuyo refrán sea: "Es necesario sembrar para poder cosechar"

GANADORES DEL OSCAR A MEJOR DIRECTOR DE FOTOGRAFIA

4 Joseph Ruttenberg

3 Leonm Shamroy, Arthur Miller, Robert Surtees, James Wong Howe, , Conrad Hall

2 Ray Rennahan, Ernest Palmer, Charles Rosher, Winston Hoch, William C. Mellor, Frederick A. Young, , Haskell Wexler, , Chris Menges, Vittorio Storaro, , Freddie Francis, , John Toll, Janusz Kaminski, Robert Richardson

1 Karl Struss, Clyde de Vinna, Joseph T. Rucker, William van der Veer, Floyd Crosby, Lee Garmes, Charles B. Lang Jr., Victor Milner, Hal Mohr, Gaetano Gadio, Karl Freund , Ernest Haller, Gregg Toland, George Perinat, George Barnes, Hal Mohr, W. Howard Greene, Joseph La Shelle, Harry Stradling, Leonard Smith, Arthur Arling, Jack Cardiff, Guy Green, Joseph Valentine, William V. Skall ,Winston Hoch, William Daniels, Paul C. Vogel , Robert Krasker, Alfred Gilks, John Alton, Archie Scout, Loyal Griggs, Burnett Guffley, Milton Krasner, Boris Kauffman, Robert Burks, Lionel Lindon, Jack Hildyard, Sam Leavitt, Russell MetyDaniel L. Fapp, Eugen Shuftan, Jean Bourgoin, Henry Persin, Walter Wottitz, Leon Shamroy, Harry Stradling, Walter Lassally, John Box, Terry Marsh, Ernest Laszlo, Dario Simoni, Ted Moore, Burnett Guffey, Pasqualino De Santis, Oswald Morris, Geoffrey Unsworth, Sven Nykvist, Fred Koenekamp, Joseph Biroc, John Alcott, Vilmos Zsigmond, Douglas Trumbull, William A. Fraker, Douglas Slocombe, John Alonzo, Laszlo Kovacs, Richard Yuricich, Dave Stewart, Robert Hall, Dennis Muren, Néstor Almendros, Geoffrey Unsworth, Ghislaine Cloquet, Billy Williams, Ronnie Taylor, Sven Nykivst, David Watkin, Peter Biziou, , Freddie Francis, Philippe Rousselot, John Seale, Russell Carpenter, Peter Pau, Andrew Lesnie, Russell Boyd, Dion Beebe, Guillermo Navarro

Hasta 1967 se entregaban dos Oscar, uno a la mejor fotografía en blanco y negro y el otro a la color. La mejor fotografía en colores empezó a premiarse en 1939. Muchos de los df se especializaron en uno u otro estilo. Un dato curioso se dio en 1977 cuando la Academia premió a los 10 fotógrafos que trabajaron en "Close Encounters of third kind" de Steven Spielberg

Ante cualquier duda el de la fotografía es Joseph Ruttenberg.

THE WAY AHEAD (1944)

Hay films bélicos que resultan simpáticos y otros angustiantes, "The way ahead", tambien conocida como "The Inmortal Battalion" (así se estrenó en muchos países), pertence al primer grupo, pero llegando hacia el final adquiere muchas características del segundo. A primera vista los puntos más destacables de este agradable trabajo son la dirección de Carol Reed, y el aceitado cásting compuesto por casi todos maestros de la actuación. David Nieven, Peter Ustinov, que colaboró en el guión de Eric Amber, Stanley Holloway y James Donald, todos de Gran Bretaña y con formación teatral, son un grupo de civiles de profesiones diversas y rutinarias, que se encuentran sirviendo para su país en la Segunda Guerra Mundial. El destino los lleva a una difícil misión en el norte de Africa, donde quedan atrapados en un barrio y deben cercar un edificio ocupado por los alemanes. De más esta decir que sufren escasez de recursos y son superados ampliamente en número por los germanos, pero a pesar de tanta adversidad cuentan con dos claves para sobrellevar semejante escollo: patriotismo y humor.
Por esa época, Reed vivía su mejor momento en cuanto a producción personal, ya tenía un nombre y varias obras de respeto, se lo reconocía por sus encuadres de angulación torcida y por la preferencia de rodar en exteriores cuando casi todos los directorses elegían la seguridad del set en estudio. Particularmente, esta película tiene su nacimiento de las experiencias en el campo de batalla que había vivido Reed en la época en que se encontraba alistado en el cargo de director de la Army Kinematograph en la British Army, institución que colaboró económicamente con el proyecto. El éxito de la película fue tan grande que a lo largo de los años se exhibió como ejemplo en los entrenamientos del ejército inglés y australiano. Para muchos, y de hecho es cierto, este film considerado de propaganda, excedió su función principal y se ubicó como una de las más bellas películas de guerra.

OSCAR A MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL

4 Katharine Hepburn

2 Luise Rainer, Bette Davis, Olivia de Havilland, Vivien Leigh, Ingrid Bergman, Elizabeth Taylor, Glenda Jackson, Jane Fonda, Sally Field, Jodie Foster, Hilary Swank,

1 Janet Gaynor, Mary Pickford, Norma Shearer, Marie Dressler, Helen Hayes, Claudette Colbert, Vivien Leigh, Ginger Rogers, Joan Fontaine, Greer Garson, Jennifer Jones, Joan Crawford, Loretta Young, Jane Wyman, Judy Holliday, Shirley Booth, Audrey Hepburn, Grace Kelly, Anna Magnani, Joanne Woodward, Susan Hayward, Simone Signoret, Sophia Loren, Anne Bancroft, Patricia Neal, Julie Andrews, Julie Christie, Barbra Streisand, Maggie Smith, Liza Minnelli, Ellen Burstyn, Louise Fletcher, Faye Dunaway, Diane Keaton, Shirley MacLaine, Geraldine Page, Meryl Streep, Marlee Matlin, Cher, Jessica Tandy, Kathy Bates, Emma Thompson, Holly Hunter, Jessica Lange, Susan Sarandon, Frances McDormand, Helen Hunt, Gwyneth Paltrow, Julia Roberts, Halle Berry, Nicole Kidman, Charlize Theron, Reese Witherspoon, Helen Mirren

Anotaciones: Increíble que Jane Fonda haya ganado más Oscars que su padre, Lilian Gish la gran ausente de la lista junto a Bárbara Stanwick y a Elizabeth Taylor le sobra uno. Sin embargo, la grande que encabeza la lista es una muy justa ganadora.

WHITE HEAT (1949)

Como en el primer fotograma, este film es un tren a vapor que sale furioso de un túnel oscuro. Hacia finales de la década de 1940, James Cagney ya estaba consagrado en el género de gángsters como el más grande, pero "White Heat" terminó por convertirlo en una leyenda. En esta ocasión la piel que se puso fue la del psiópata "Cody Jarret", un desequilibrado mafioso con un complejo de edipo no resuelto que lo llevaría a la misma muerte. Al frente de esta gema se encuentra Raoul Walsh, el director de mil batallas, que dominaba el cine de género como pocos lo han hecho a lo largo de la historia de Hollywood. Walsh supo reformular a Cagney resaltando su faceta de gran improvisador para que juegue en la puesta con la bipolaridad psíquica que traía su personaje desde el guión. Cagney no defraudó y pudo componer a un ladrón diferente al que lo había popularizado casi 20 años atrás en "The Public Enemy" de William Wellman. Pero si los gustos personales pueden viciar las reseñas, debo confesar que va a ser imposible encontrar objetividad en un film que me resultó contundente no sólo desde la imagen sino también desde las palabras. Los diálogos que ensaya "Cody" en el relato son escuetos pero punzantes, tan hirientes como la violencia desmedida con la que trata a aquellos que lo rodean. Algunos ejemplos son: "Patear a Virgina Mayo", "Empujar por las escaleras a Steve Cochran" y manadar a matar a sangre fría a un amigo que no puede seguir en el ruedo con la pandilla.
Walsh supo trabajar con los personajes que no tienen posibilidad de cambiar, con esos a los que la muerte espera como único camino para ser redimidos. La grandeza los consume como ellos consumen lo que aman. Es el final de "High Sierra" o "The Roaring Twenties", el ladrón acorralado en su propio terreno (que siempre presenta obstáculos físicos) inmolandose al grito de una frase que engloba una declaración de principios, en este caso es "The Top of the world".
Párrafo aparte merece la línea de relación entre "Cody" y su madre, una especie de antesala a "Psicosis" (Alfred Hitchcock), con un matriarcado que al caer no hace más que mostrar la incapacidad del hombre para gobernar por encima de su desequilibrado carácter, la sobreprotección que en la carencia saca la impotencia del capricho que no puede ser saciado. Walsh trabajó esta relación madre-hijo basándose en la que tuvo "Mama Baker" en la vida real con sus hijos ladrones, de ahí el alto grado de verosimilitud.
Sólo nos queda contemplar la escena final en la que Cagney, fiel a su estilo, es abatido a balazos, pero se niega a morir, sólo lo logra cuando él mismo explota en llamas al disparar contra unos estanques que guardan dinamita. La risa de "Cody", las llamas de fondo y el título de "The End" es un plano que nunca olvidaré.

FLIGHT TO FURY (1964)

Hace poco revisaba una rareza de Monte Hellman llamada "China 9 Liberty 37", pero ahora es el turno de la aventura con "Flight To Fury", film anterior al citado. Como es característica en las historias de este director nos encontramos con un fuerte suceso inicial que hace que la trama se dispare de manera inmediata, en este caso la caída de un avión en medio de la selva en Filipinas con un grupo de extraños y oscuros personajes. Todos tienen su costado codicioso y con ese detalle juega el efectivo guión escrito por Jack Nicholson, que por esa época la afición de escribir se mezclaba con la de actuar. Luego de la caída, aparece el segundo punto infaltable en la cinematografía hellmaniana, los personajes comienzan un viaje al mejor estilo road movie que no se detendrá hasta encontrar la muerte al final del film. Precisamente, ese es uno de los momentos más logrados del film, en el que uno de los sobrevivientes se bate a duelo entre las rocas de un río a plena luz del día.
Rodada en un blanco y negro furioso, montada por el propio director y realizada por afuera de los estudios, esta rareza de la clase b fue la segunda película que dirigió Monte Hellman. También es la primera con Jack Nicholson, se conocían de trabajar con Roger Corman y por esa época realizaron varios proyectos juntos. Luego Nicholson se haría una estrella y por el contrario, Hellman un director desconocido.

COMANCHE STATION (1960)

Al menos en la Argentina, durante muchos años (en la era del vhs), conseguir los filmes de Bud Boetticher era una tarea bastante compleja. Lo peor pasaba cuando uno se encontraba con amigos cinéfilos que habían tenido la posibilidad de disfrutar de estas gemas y confesaban, despertando una leve envidia, que eran la "verdad" del western. Como todo amante del género la impaciencia por no poder formar parte de ese selecto círculo de iniciados provocaba que aquellas jornadas sean de cinefilia incompleta. Finalmente y con mucho esfuerzo logré ver un puñado de ellas, claro que algunos años después y en condiciones de proyección desfavorables (dobladas y con muchas rayas) y comprobé lo que era una realidad: mis amigos tenían razón. Boetticher es junto a Ford, Mann y Hawks lo mejor que le pudo pasar al lejano oeste.

En Comanche Station hay un hombre que no vemos hasta el final que paga una importante suma de dinero por recuperar a su mujer raptada a manos de una tribu indígena. Randolph Scott (actor fetiche del realizador) se encamina a completar este viaje de rescate atravesando el árido desierto amenazado por los indios y por si fuera poco en compañía de algunos forajidos, que lo único que pretenden es olvidar la recompensa y quedarse con la bella mujer (Nancy Gates). Hasta ahí, podría ser una historia más con los tópicos característicos del género en cuestión, pero los westerns de Boetticher tienen una puesta en escena muy particular, son geométricos, están trazados con triángulos sobre líneas horizontales y el verdadero héroe actúa de manera que pueda llevar adelante esta línea hacia el objetivo. Para ello debe abrirse de la trampa o sea de no caer en el trinomio propuesto por sus competidores, tiene que aislarse estando dentro. Quién mejor para ocupar ese rol que un tipo duro pero entrañable como Randolph Scott. Un rostro impávido y carente de cualquier gestualidad que pueda generar el más mínimo matiz. A pesar de esa inexpresividad Scott no deja nunca de generar identificación con el espectador. Su figura es la de un hombre que se encuentra de paso por la película. No tiene un lugar fijo en el mundo, no se sabe de donde viene ni mucho menos a donde va.

Hacia el final de la película, como en todas las historias de este genio, hay un giro inesperado que no cambia la trama pero nos toma por sorpresa. Ah, me olvidaba de algo importante, y es que la película se filmó en tan sólo 12 días, ¡Quién pudiera!

ACTORES GANADORES DEL OSCAR A MEJOR ACTOR PRINCIPAL

Ahora vamos con los ganadores a mejor actor en la historia de los premios Oscar:

2 Spencer Tracy, Gary Cooper, Marlon Brando, Jack Nicholson, Dustin Hoffman, Tom Hank

1 Emil Jannings, Warner Baxter, George Arliss, Lionel Barrymore, Wallace Beery, Charles
Laughton, Clark Gable, Victor McLaglen, Paul Muni, Robert Donat, James Stewart, James Cagney, Paul Lukas, Bing Crosby, Ray Milland, Fredric March, Ronald Colman, Laurence Olivier, Broderick Crawford, José Ferrer, Humphrey Bogart, William Holden, Ernest Borgnine, Yul Brynner, Alec Guinness, David Niven, Charlton Heston, Burt Lancaster, Maximilian Schell, Gregory Peck, Sidney Poitier, Rex Harrison, Lee Marvin, Paul Scofield, Rod Steiger, Cliff Robertson, John Wayne, George C. Scott, Gene Hackman, Jack Lemmon, Art Carney, Peter Finch, Richard Dreyfuss, Jon Voight, Robert De Niro, Henry Fonda, Ben Kingsley, Robert Duvall, F. Murray Abraham, William Hurt, Paul Newman, Michael Douglas, Daniel Day-Lewis, Jeremy Irons, Anthony Hopkins, Al Pacino, Nicolas Cage, Geoffrey Rush, Roberto Benigni, Kevin Spacey, Russel Crowe, Denzel Washington, Adrien Brody, Sean Penn, Jamie Foxx, Philip Seymour Hoffman, Forest Withaker

CHINA 9 LIBERTY 37 (1978)

El título de este post no es el resultado de ningún evento deportivo, es el título de un spaghetti western dirigido por un olvidado de la clase b norteamericana llamado Monte Hellman. En una de las combinaciones más raras que ha dado el cine, este silencioso hacedor de películas de culto (véase "Two Lane Blacktop" o "Flight to Fury") logra juntar la música de Pino Donaggio con Warren Oates, Sam Peckinpah y fabio Testi. El resultado al barajar este cubilete es un western sexista con escenas muy logradas pero que en lo global no consiguen evitar el desequilibro al que esta condenada la película. Un misterioso desconocido llega a un rancho aislado y es cobijado por el propietario del mismo. En muestra de agradecimiento (algo confusa) se acuesta con su mujer y es descubierto, lo que provoca una discusión trágica con su esposa que parece resolver las cosas, al menos por unos minutos. Luego empiezan a pasar cosas muy extrañas en un tono bastante fino entre lo ridículo y lo genial, muertos que no eran tales, parientes que aparecen para vengar y un giro hacia una road movie de persecusión en busca de venganza hacia aquél que robo la mujer de otro (léase en la clave del film mujer= propiedad privada). Entre otras cosas hay que destacar la actuación de Oates, que trabajó en varias ocasiones con el director, logrando momentos de fresca improvisación y la música que parece atentar contra el film de manera conciente. Quizás lo confuso del artículo refleje un poco el espíritu del film que al menos por esto merece ser visto, aunque sea un sola vez.

CINE Y PERIODISMO

A lo largo de los años el periodismo sirvió como tema recurrente dentro del mundo del cine, ya sea para contar historias de amor o reflejar alguna visión cínica de la sociedad. Para los más curiosos en el siguiente link se pueden encontrar todos los films con esa temática, y les aseguro que son muchos. http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/periodismo.htm

Aporte de Link: Tíscar Lara de http://tiscar.com/

THE MOST DANGEROUS GAME (1932)

La película podría titularse "de los creadores de King Kong llega... ", pero sería poner al simio como presentación de algo que no podría venderse por sí mismo, y eso dista mucho de lo que ofrece este minúsculo ejemplar. Como en la mayoría de las producciones fantásticas de los años 30', esta cinta esconde más de lo que muestra y deja un gran lugar al autor para que elabore con más ingenio desde la puesta, aquello que la limitada producción no podía brindarle. Ernest Schoedsak aún no había hecho su obra maestra, de hecho la estaba filmando en paralelo, quizás dominado por la temática de la naturaleza del cazador y sus motivaciones cínicas que indefectiblemente lo encaminan hacia un final cazado.
En este caso, un excentrico y desequilibrado magnate invita a tres turistas a una isla perdida para soltarlos y comenzar una cacería. La trama es muy fuerte y esta llevada con la velocidad de una locomotora, pensemos que el film dura nada más que 63'¿Qué director podría filmar hoy en día una película de aventuras en esa ajustada duración? No pretendo desviarme pero cuando uno ve este tipo de obras, no deja de preguntarse el por qué de muchas mediocridades del cine actual. El caso es que la motivación del magnate para ejecutar este mortal safari radica en que aún le falta el animal más difícil de capturar: el ser humano. Filmada en el mismo set de jungla en el que se rodó "King Kong", Joel McCrea logra salvar su vida de las manos del conde Zaroff (magnífica interpretación villana de Leslie Banks) y demostrar por qué el hombre es el animal más inteligente.
Luego vino "King Kong", y allí comenzó la historia de como este film pasó tan desapercibido en la carrera de un genio del cual nadie recuerda el nombre: Ernest Schoedsak.

DIRECTORES GANADORES DE LOS OSCAR

Aprovechando que hace muy poco fue la entrega de los premios Oscar, que tantas discusiones que genera, quería confeccionar la lista de todos aquellos que ganaron la estatuilla como mejor director.

John Ford 4
Frank Capra 3
William Wyler 3
Leo McCarey 2
Lewis Milestone 2
Frank Borzage 2
Frank Lloyd 2
Billy Wilder 2
Elia Kazan 2
Joseph L. Mankiewicz 2
George Stevens 2
Fred Zinnemann 2
David Lean 2
Robert Wise 2
Milos Forman 2
Oliver Stone 2
Clint Eastwood 2
Steven Spielberg 2
Martin Scorsese 1
Ang Lee 1
Peter Jackson 1
Roman Polanski 1
James Cameron 1
Sam Mendes 1
Steven Soderbergh 1
Ron Howard 1
Robert Zemeckis 1
Mel Gibson 1
Anthony Minghella 1
Francis Ford Coppola 1
Sydney Pollack 1
Kevin Costner 1
Bernardo Bertolucci 1
Barry Levinson 1
Jonathan Demme 1
James L. Brooks 1
John G. Avildsen 1
Woody Allen 1
Michael Cimino 1
Robert Benton 1
Robert Redford 1
Warren Beatty 1
Richard Attenborough 1
George Roy Hill 1
Bob Fosse 1
Franklin J. Schaffner 1
William Friedkin 1
Mike Nichols 1
Carol Reed 1
John Schlesinger 1
Tony Richardson 1
George Cukor 1
Vincente Minnelli 1
Jerome Robbins 1
Delbert Mann 1
John Huston 1
Michael Curtiz 1
Norman Taurog 1
Víctor Fleming 1

UP THE RIVER (1930)

Cada tanto aparece una nueva película de John Ford, es que la filmografía del genio es tan larga que difícilmente paren de surgir estas peqeñas películas que yacen escondidas entre tantos títulos categóricos. Este film, de escasa duración, apenas 80' mezcla dos elementos temáticos que siempre enriquecieron el mundo del cine: las cárceles y el beisball. Aquí, estos factores se combinan con otros dos que son implacables a la hora de hablar de una gran película; Spencer Tracy y Humphrey Bogart. El primero, ya con un halo de consagración, mientras que el segundo aún no había despertado, es su primer film, y a partir de allí sería la época en la que se manejaría con papeles de reparto, que luego de "El Halcón Maltés" no podría volver a hacer por más que quisiese.
El detalle de color de esta cinta es que pertence al año 1930 y se puede oir claramente, por lo dessprolijo del sonido, que era la época de la transición de formato, a pesar de ello no fue problema para la puesta, ni mucho menos para la narrativa que empleó el sabio director. Lo que más sorprende es como Ford se apodera del ámbito haciéndolo propio, lo que le interesa es mostrar las relaciones dentro de la prisión como si fuera una gran familia con sus códigos. Esto no significa que uno quiera vivir ahí dentro, pero por momentos hace que deje la historia en un segundo plano, porque lo que más le interesa es mostrar la forma de vida cotidiana dentro del penal sin grandes sobresaltos. Paralelo a esto esta la línea que hace avanzar el relato y es la de Bogart como lanzador de pelota y su presencia en un juego final. Al terminar de verla uno no siente que vio lo mejor de John, pero le suma una estrella más al saber que Bogart debutó, de forma acreditada con el maestro. Una mas y van....